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Eso
nos lo muestra el magnífico cartel con el que se anuncia la película,
donde las caras de Elisa y de Luis se condensan, mientras podemos ver
distintos momentos de ese proceso identificatario, en un vínculo que se
repara tras una larga separación, donde ante la presencia del padre real,
portador de lo simbólico y a través de un interjuego imaginario, Elisa
logra una identificación con ese padre valiente, quien se ha atrevido a
romper la comodidad de la vida burguesa, para encontrarse consigo mismo;
esa actitud consistente es la que le permite a su hija liberarse de un vínculo
insatisfactorio en su relación conyugal con Antonio, mientras asistimos
al acompasamiento que dan a la película la música de Rameau y de Sauti,
así el realizador se considere un completo amateur
en asuntos musicales, pues yo creo que Saura comprende como nadie
que el cine es, ante todo, un arte sintético.
Al
director, el postfranquismo lo ha liberado de una misión política para
adentrarse en los laberintos del alma humana, donde se entremezclan
vivencias reales, recuerdos, ensueños y contenidos oníricos, a la manera
de lo que pasa en un psicoanálisis.
Pero
sabemos que, sobre todo, Saura es un excelente fotógrafo, quien tiene
tesis muy particulares sobre la fotografía, las cuales expresa en una
conversación que las dos hermanas, Elisa e Isabel, tienen en torno a los
recuerdos y la fotografía.
Los
primeros están cargados de subjetividad, son una versión que nos damos
de nuestra propia historia, mientras la cámara apunta su objetivo para
fijar un instante de la realidad, tal cual es.
El
fotógrafo Saura retrata paisajes de donde vive, su entorno, las
transformaciones estacionales, como si hiciese un diario íntimo
fotográfico; así la cámara, tanto como la literatura, la pintura y el
cine mismo devienen, para él, aventura.
De
ahí su libertad en el rodaje, donde se aleja aún de sus propios guiones,
sin respetar los originales, ya que siempre los encuentra como un material
susceptible de cambios, ya que él se arriesga por archipiélagos de
incertidumbre con una curiosidad infinita, de ahí que cintas como Elisa,
vida mía, como muchos de sus filmes, puedan tener cabos sueltos y de ahí
su magia y su atractivo, que puede dejar la impresión de un cine
intemporal, con ciertos tonos idílicos y nostálgicos en los que la
violencia se introduce de una forma muy sutil.
Tal
vez, Elisa,
vida mía tenga un tono melancólico y otoñal, pero que apunta al
verano interior que empieza a gestarse en el alma de la protagonista,
quien ha de vivir ese drama edípico, que había quedado inconcluso para
acercarse a su ocaso, a su sepultamiento, que se da con la muerte del
padre, objeto de sus más oscuros deseos incestuosos, pero que, al final,
vivirá dentro de Elisa, hasta que ella misma muera.
Liberado
de su misión política y de los guionistas, Saura puede dar el paso de
tener el control total sobre sus realizaciones, para asumir de una vez por
todas el cine de autor, que permite a los directores cinematográficos
hacer creaciones individuales, así para la construcción del filme se
requiera del concurso colectivo de técnicos y actores.
Para
Saura, los guiones son apenas meros proyectos, esbozos, borradores, que
pueden ser sometidos a todo tipo de modificaciones, enmiendas y
correcciones, de transformaciones, de acuerdo a lo que en el momento del
rodaje vaya surgiendo, sin caer ni en la improvisación ni el
espontaneísmo.
Así,
cuando un actor cambiaba una frase y al director le gustaba, le pedía que
memorizara esta nueva versión y que la mantuviera en el rodaje u otras
veces, si algo sonaba mal, él mismo se encargaba de modificarla, ya que,
para él, lo más fascinante de la creación fílmica es la tensión que
produce el contacto con lo variable, con lo cambiante, con lo aleatorio,
con lo incierto; de ahí que el hombre no sólo se atreviera a cambiar los
diálogos sino aún escenas o secuencias enteras sobre la marcha o al
final de la tarea, en el montaje, por el placer de tener siempre vivo el
filme entre sus manos.
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