Pero, pese a ese tono agringado de sus filmes, no podemos dejar de pensar que Kaurismäki es un realizador muy europeo, al hablarnos como suelen hacerlo los directores de su continente de la cotidianidad, de las relaciones intersubjetivas, con cierta lentitud, con tiempos muertos, que transmiten su taedium vitae, en escenas en las que vemos preparar un café, fumar un cigarrillo, oír la radio, entre otras muchas actividades de la vida diaria, como podemos constatarlo en la siguiente secuencia en el que el protagonista se libera de una madre opresora:

http://www.youtube.com/watch?v=GOCtq2FXm9o&feature=fvw

para lanzarse a un mundo de aventuras, cercano al movie road, en un cine minimalista y taciturno, sin maniqueísmos, sin buenos ni malos.

Pero si Kaurismäki ama a su Europa natal, la quisiera sin fronteras, sin esa actitud imperialista de Occidente, en la que para mantenerse enhiesto, con un gran nivel de vida, mata al otro medio mundo, un tema que trabaja con particular intensidad en Agarra tu bufanda, Tatiana siempre a la busca de una Europa más auténtica, que no se instale sobre el subdesarrollo de otros pueblos, ya que todos vivimos en un mismo mundo, en el que, en realidad, no se comparte un espacio común pues la mitad de la población del planeta muere de hambre mientras la otra progresa.

Para Kaurismäki, quien verdaderamente podría contarnos qué es Europa, sería Jimmy Hendrix, el guitarrista y cantautor estadounidense, a quien se considera el más grande guitarrista de la historia del rock, quien decía que cuando el poder del amor sobrepase al amor del poder, el mundo conocerá la paz, la cual deseaba a todos tanto como el amor y la felicidad.

El cine de Kaurismäki se distribuye en toda Europa, la cual quizás no lo entienda al no captar sus mensajes más crípticos, los referidos a su patria, Finlandia, quien además piensa que la Europa de la globalización nació muerta, de la misma manera que Hollywood ha muerto, ya que no es lo mismo el cine arte del español Luis Buñuel, del egipcio Youseff Chahine y de japonés Akira Kurosawa que el comercial de Robert Parrish.

Pues lo que más interesa a Kaurismäki es cómo la gente busca sobrevivir en el mundo en el que nació, ya que la lucha por la supervivencia es siempre la misma, en todas partes; para hacerlo el ser humano ha procurado comer, inventó el fuego, se vistió y busca un sentido dentro de lo absurdo de la existencia, un mundo en la que las mujeres suelen bandearse mejor mientras Hollywood, esa fábrica de sueños, lo que hace es vomitar historias sin sentido.

Si el director finés ha ido a los Estados Unidos es para rodar pero sin asomarse a California, cosa que espera no hacer nunca, lo que para él no implica que allí no se haya hecho cine con el corazón, un cine que lo haya conmovido.

No deja de ser interesante la entrevista documental que Guy Girard ha hecho sobre el director, a quien nos muestra de entrada, mientras escribe a máquina, en tanto guionista, ya que Kaurismäki, más que un simple director de cine, es una especie de hombre-orquesta, quien verdaderamente hace cine de autor, al realizar sus propios guiones, al realizar sus obras por fuera de las presiones de productores, ya que es su propio productor, lo que le otorga una gran libertad para darnos su singularísima visión de la vida y del mundo en el que le ha tocado vivir, con una mirada crítica, que nos invita a la reflexión, de donde pasa a hablarnos de su admiración por ese otro autor escandinavo, el noruego Knut Hamsun, premio Nobel de literatura en 1920, quien ejerciera varios oficios en su vida errante y aventurera, de la que da testimonio en una obra literaria que habla de la condición humana, de quien pretendía adaptar su novela Soñadores, un drama romántico de corte realista.

Pero allí, el director finlandés nos cuenta que él se considera un redactor de guiones muy impulsivo, que utiliza lo que el llama diálogos-revólver, en los que las palabras funcionan como balas, para quien emplear el cine en blanco y negro, en la actualidad, el cual admira profundamente, especialmente el realizado en las décadas de 1910 y 1920, dado el bello uso que se hacía de estos colores, en un mundo en el que no había otra alternativa que hacerse experto en sus matices, puede resultarle bastante costoso, ya que como productor, tiene que pensar en detalles muy insignificantes para economizar dinero, cosa que el público y la crítica, muchas veces, ignoran y se creen que esas medidas ahorrativas son acciones con claras pretensiones estéticas, lo cual, para nada es cierto.

Él bien sabe que ni en la producción ni el montaje puede permitirse tomas inútiles, ya que, muchas veces cuenta con un exiguo presupuesto; por ello, le parece que no tiene sentido rodar larguísimos metrajes y esperar que algo salga de ello, pues ante todo, lo más necesario es saber filmar.

Por ello, entre la historia que teje y los personajes que la protagonizan, él tiene que imaginarse la película.

Eso lo ha convertido en un experto que hace un buen uso de la utilería; de ahí que lo veamos rodeado de objetos, de herramientas o sombreros, que conserva aún después de sus rodajes y  prefiere el contacto con ellos al acercamiento humano, el cual le resulta difícil de soportar, por lo que se esconde en un universo de cosas relativamente inertes, aunque la desesperación espiritual de personajes como los de su Hamlet va de negocios, su anacrónica versión de la tragedia shakesperiana, puede llegar a conmoverlo muchísimo; en ella, Kaurismäki mata dos pájaros de un tiro, al enfrentarnos con un existencialismo al estilo del de Søren Kierkegaard y una mirada anticapitalista de la economía, ya que en esta historia, no se da en el castillo de Elsinor ni en el reino de Dinamarca, sino en una empresa contemporánea, que Hamlet hereda de su padre pero que el tío desea controlarla, ésta es. Quizás, una de las adaptaciones del trágico inglés más singulares que se hayan hecho, dado el vértice existencialista con el que Kaurismäki enfrenta la traición, el dolor, la venganza y la ira, con una buena dosis de humor, de ironía y de parodia, en la que se pone en tela de juicio la economía de mercado y la libre empresa pero con un tratamiento en el que el director finés conserva el respeto por el poeta inglés, sin sacralizarlo, con unos personajes fríos e insensibles hasta el absurdo, entre silencios y diálogos, donde Ofelia se suicida con somníferos para luego sumergirse en una bañera, sin grandes dramatismos, sin dilemas ontológicos sino más como la acción de personajes cargados de vacío.

Sin embargo en sus películas hay una particular ternura hacia los seres humanos marginados por la sociedad europea, de ahí que haga cintas como Los cowboys de Leningrado, cintas salpicada de un humor acre, en las que se nos cuenta como, en la tundra, vive el peor conjunto de rock del mundo, el cual decide viajar a los Estados Unidos para parar en México, para luego decidir volver a su tierra, en unas obras que implicarían, para Kaurismäki, un trabajo duro, tal vez, sin sentido, sin la ambición de convertirla en obras maestras sino de hacer  pequeños buenos filmes, con lo que logra una especie de documental del espectáculo, un concierto inimaginable, cintas un tanto locas, poco serias, que no le exigen grandes esfuerzos pero que lo divierten.

Sin embargo, si de algo se enorgullece Kaurismäki es de conocer el mundo que filma pues no le ha faltado calle.

Su película Yuha se considera una película silente, porque en ella nadie habla, la cual se podría pensar como el último filme mudo del siglo XX, lo cual no hace que la cinta carezca de emoción, ya que es una hermosa y melancólica historia de amor, basada en la última novela de Juhani Aho [1] obra escrita en 1911; veamos algunas de sus escenas finales:

http://www.youtube.com/watch?v=_z_0QEKINDY

Si Kaurismäki acude al cine mudo para hacer esta película, lo hace más para acercarnos a la esencia del melodrama en su forma más simple, con una acentuación de los rasgos positivos y negativos de sus personajes, para enfrentar la tradición con la modernidad, en la que se instala la lucha dialéctica entre el bien y el mal, el campo y la ciudad, la fidelidad y la infidelidad, lo arcaico y lo contemporáneo.

Pero, la película que se considera más bella de su filmografía, sería La chica de la fábrica de cerillas, otra película casi muda, en la que los personajes no dicen más de veinte frases.  

A Kaurismäki le atrae el tema del autismo infantil, de esos niños a los que él considera que no se los deja hablar, de cuyos rasgos, él mismo participaría, ya que sólo vino a comunicarse a los cinco años y tenía su propio idiolecto, su propio lenguaje, que es el que recrea en la producción de sus imágenes cinematográficas pero él entiende que esos niños se nieguen a hablar, ya que si un niño puede ver y oír, lo primero que descubre es que lo mejor es huir lo más lejos posible de la relación con los otros pues, para el director finlandés, el silencio es la única vía posible para el ser humano y, es por eso que admira tanto al realizador francés Robert  Bresson, quien eligiera un discurso tendiente a un casi total y absoluto ascetismo, con el fin de captar lo esencial, que escapa a la mirada, que es invisible para los ojos.  

Kaurismäki se embelesa con ese director frrancés, quien pretendía que la gente sintiera sus filmes más que comprenderlos, al realizarlo con rigor, con valentía e imaginación, para descubrir que hacer cine no requiere de grandes presupuestos, de grandes estrellas ni de efectos especiales, ya que con la cámara se puede contar cualquier tipo de historia, provocar cualquier clase de emoción, siempre y cuando el director se abra a sus temas y  observe la interioridad del psiquismo humano; con un estilo minimalista, los directores pueden acercarse al sufrimiento humano en sus dimensiones existenciales y espirituales, a la soledad, a la dificultad para comunicarse, sin grandes dramatizaciones, sin tramas intrincadas, con una gran simplicidad, con ausencia de manipulaciones, de tal forma que se logre acercarse a los dilemas con los que nos enfrentamos los seres de carne y sangre y hueso, como diría don Miguel de Unamuno, con lo cual logra crearse un cine que nos sacude, al adentrarnos en la vida interior de los personajes.  

Para Kaurismäki, Bresson era un ser inteligente que nunca decía nada, cuyas películas no se pueden explicar, ya que si las cosas son buenas, malas o mediocres, es inútil explicarlas y si cita a Ingmar Bergman, también dice que le hubiera gustado imitar a Alfred Hitchcock, aunque de hacerlo seguramente habría fracasado.  

Más que el compromiso, lo que interesa a Kaurismäki es la forma artística.  

Y sus actores lo disfrutan como director por su humor fantástico, por su minimalismo, del estilo de Robert Bresson y Edward Hopper, que hace a un lado todo aquello que considera que no es importante, para adentrarse en un mundo de formas y profundidades, más allá de tanta cosa inútil.