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En
“Teoría del figurón” (1882), el brasileño Machado de Assis
deslumbra con un cuento totalmente dialogado, anticipándose formalmente a
lo que explorarían en el siglo XX Ernest Hemingway en “Los asesinos”
(1927) y Ross MacDonald en “Tratamiento de shock” (1953). A través de
los consejos que un padre da a su hijo, revela un feroz sarcasmo contra
las ridículas convenciones y la vulgaridad de la época (entre aquellos
sorprende: “el adjetivo es el alma del idioma, su elemento idealista y
metafísico. El sustantivo es la realidad cruda y desnuda, es el
naturalismo del vocabulario”). O sea, el cuento puede enmarcarse dentro
del realismo que inició el argentino Esteban Echeverría con su descripción
cruda y minuciosa de las faenas en “El matadero” (escrito en 1838 y
publicado en 1871), aunque algunos críticos lo encuadran dentro del
movimiento romántico por su fervor expresivo. Otro aporte lo da el
colombiano Tomás Carrasquilla con “San Antoñito” (escrito en 1899 y
publicado en 1914), un cuadro de costumbres vivaz y gracioso, cuyo
sorpresivo final linda con la picaresca.
Naturalismo
El
realismo dio paso al naturalismo, un movimiento que presentaba los casos
clínicos de personajes sumergidos en el submundo de los vicios, sobre
todo del alcohol, de la prostitución y de otros padecimientos de las
clases bajas. La influencia vino de Francia, más precisamente de Emilio
Zola, cuya saga de veinte novelas que concluyó en 1893 (los “Rougon-Macquart”)
intentó realizar un fresco de la sociedad a través de lo que llamó la
novela fisiológica, en la que señala la ascendencia de la herencia y el
medio ambiente sobre el individuo. Sin embargo, esta escuela no dejaba de
bregar por el mejoramiento de las precarias condiciones en que vivía la
clase obrera. En “Los amores de Bentos Sagrera” (1896), el uruguayo
Javier de Viana describe la barbarie escabrosa de unos hombres de campo
que conversan en el transcurso de una implacable noche de tormenta.
Este
alegato por los desamparados remite a los textos provenientes del grupo
Boedo, que actuó en Buenos Aires entre 1920 y 1930, y del que Elías
Castelnuovo –uno de sus mayores representantes junto a Álvaro Yunque,
Nicolás Olivari, Leonidas Barletta, César Tiempo y Roberto Mariani-,
dice que tomar “como materia prima de sus inquietudes espirituales a la
clase trabajadora, no se debió puramente a una determinación estética,
sino a que la mayoría de sus componentes procedían de esa clase”. Los
cuentos de la oficina (1925), de Roberto Mariani, en los que pululan
empleados fracasados y aplastados por una tarea tan monótona como
embrutecedora, constituyen un clásico de esta literatura comprometida.
Junto a los nombrados escritores, se suele incluir a Roberto Arlt, pero él
nunca se identificó con esta agrupación, aunque su temática de la
ciudad y su estética indudablemente lo emparientan con ella. En “El
jorobadito” (1933) registra las condiciones salvajes de la vida urbana,
semillero de relaciones conflictivas, de torturas psicológicas, de
humillaciones y de seres frustrados y sin salida. Para David Viñas, los
personajes de Arlt anhelan “Irse, eludir mágicamente el trabajo y las
miradas humillantes para remontar el vuelo heroico, solitario y asombroso
(...) amar, liberarse, dejarse volar. Y caer, que es donde reside el
peligro”.
En
1910 el escritor brasileño João do Rio da a conocer Dentro da noite,
en el que figura el cuento “El bebé de gasa rosa”, cuyos componentes
de sensualidad y lujuria están protagonizado por una calavera fantasmal
que festeja el carnaval. Pero esta literatura fantástica es propia del
siglo XIX y se diferencia del cosmopolitismo, que, según Seymour Menton,
bucea en los aspectos filosóficos y metafísicos.
El
modernismo
Por
ello se debe proseguir con el modernismo, que fue una reacción contra el
realismo y el naturalismo, y aunque rechazaban la exaltación de los románticos,
los unía a ellos el desprecio hacia los valores de la sociedad burguesa.
Defendían la belleza estética y el refinamiento del estilo, sus modelos
eran la antigüedad clásica griega y el exotismo oriental. Fue un aporte
renovador de lenguaje y estilo. Así, el mexicano Manuel Gutiérrez Nájera
en “Después de las carreras” (1883) despliega una prosa primorosa
impregnada de resplandecientes imágenes que apelan a la sinestesia, y que
hacen exclamar a una de las protagonistas “¡Qué hermosa es la
vida!”.
En
“El rubí” (1888), Rubén Darío (Nicaragua) utiliza un lenguaje
maravilloso y poético, en el cual la metáfora, la aliteración y el símil
no excluyen la concisión, que adhiere plenamente a la estética
modernista y, al incluir gnomos, se
introduce en el género fantástico.
Leopoldo
Lugones –de quien dijo Borges que su literatura es una de las máximas
aventuras del castellano- en “Los caballos de Abdera”, que forma parte
de sus famosos cuentos Las fuerzas extrañas (1906), refiere una
leyenda de una ciudad tracia del Egeo, cuyos habitantes sienten admiración
por la raza equina, de la que poseen los más bellos ejemplares, hasta que
los caballos adquieren hábitos y costumbres humanas y finalmente se
transforman en asesinos feroces que matan a sus dueños.
“Justicia
india” (1906), del boliviano Ricardo Jaimes Freyre, es un cuento
ajustado, potente en su despojamiento. El vínculo con el modernismo se
limita a la armonía del estilo, ya que su historia de violencia y
justicia despiadada está más cerca del indigenismo.
El
mexicano Amado Nervo, aunque
transmite devoción religiosa en “El ángel caído” (1921), se vuelca
con lirismo al misterio y al ámbito fantástico.
A
veces el fervor estético da lugar a una actitud barroca, como lo
testimonia “La signatura de la esfinge” (1933), del guatemalteco
Rafael Arévalo Martínez, fuertemente inspirado por la poesía
parnasiana. El cuento es una idealización a ultranza de la belleza
femenina, que se torna fatal a los ojos del amante: “La mujer guarda el
sagrado tesoro de la especie y posee artes mágicas para encadenar al
hombre”. Como su escritura apela a comparaciones de los personajes con
las fieras para fijar su carácter, sus cuentos se denominan psicozoológicos.
Regionalismo
Comprende
el indigenismo, el indianismo y el criollismo. La intención del escritor
era conocerse a sí mismo y a su tierra natal: ya no se miraba la Europa
convulsionada por las crisis políticas y económicas y desgarrada por la
Primera Guerra Mundial. La protesta social y la afirmación de la
conciencia nacional formaron parte de esta corriente, que anhelaba por
encima de todo captar el alma de América.
En
Brasil, “Contrabandista” (1912), de José Simões Lopes Neto, muestra
con sumo vigor un hecho violento en la frontera sur y aprovecha para
reivindicar al gaucho: “¡Y fue un tiempo en que el guacho, su caballo y
su facón, solos, conquistaron y defendieron estos pagos!”.
Ricardo
Güiraldes aporta con “Trenzador” (1915) un canto al artista,
encarnado en esta historia no por un pintor o un escultor, sino
simplemente por un trenzador de riendas que vive en el campo argentino y
cuya tarea lo ha conducido a una irrecuperable soledad.
“La
nueva California” (1916), del brasileño Lima Barreto, sitúa la acción
en la pequeña ciudad de Tubiacanga, a la que arriba un alquimista que
logra obtener oro realizando una insólita experimentación con cadáveres.
Un clima gótico anida en esta parábola sobre la codicia humana y la
obsesión por la muerte: “La religión de la muerte precede a todas y,
ciertamente, será la última en morir en las conciencias”.
El
rioplatense Horacio Quiroga (nació en Uruguay pero desarrolló su carrera
literaria en la Argentina) produjo, de acuerdo a Beatriz Sarlo, el primer
gran viraje de la cuentística nacional por el carácter moderno de su
producción, de su unidad y precisión, en la que late, como diría
Unamuro, un sentimiento trágico, derivado de su vida signada por el
suicidio. “El hombre muerto” (1920) desarrolla una tensión
existencial, analiza el miedo elemental del ser humano (“su eliminación
del escenario humano”), y enfrenta a los personajes con los peligros de
la selva misionera.
El
hambre el es protagonista indiscutible del cuento “El vaso de leche”
(1929), del chileno nacido en Buenos Aires Manuel Rojas. Escenas
contundentes testimonian la atroz realidad de un hombre sin destino, alejándose
del criterio de señalar las peculiaridades regionales.
El
dominicano Juan Bosch, que llegó a ser presidente de su país, pinta en
“La mujer” (1933), un paisaje desolado y abrumador que aplasta a los
personajes, sumergidos en un brutal salvajismo y devorados por la pobreza,
el sol abrasador y el ámbito desértico.
“El
pozo” (1936), de Augusto Céspedes (Bolivia), refiere un suceso que
tiene lugar durante la Guerra del Chaco (entre paraguayos y bolivianos),
en el cual el calor y la falta de agua motiva que los soldados padezcan un
verdadero infierno. Una prosa de agenda se adapta plenamente a este diario
de campaña que testimonia la lucha contra la sed: “un destino de
aniquilación que me estrangula con las manos impalpables de la nada”.
Cosmopolitismo
El
cosmopolitismo se aleja de la temática social propuesta por el
regionalismo y se adentra en los conflictos interiores del individuo, en
los problemas que planteaba la vida en las ciudades y en cuestiones filosóficas.
Dentro de este concepto integrador cabe comprender el surrealismo, el
existencialismo y el realismo mágico. Como señala Beatriz Sarlo, por
intermedio de la figura señera de Jorge Luis Borges, en este período se
produce el otro gran viraje de la literatura argentina: “A partir de él
es posible concebir un relato cuyo verosímil radica esencialmente en su
calidad lingüística, en su textura verbal y en los juegos
–paralelismos, duplicaciones, simetrías, anticipaciones- cuya retórica
constituye lo esencial de la trama”. Borges confesó que quería
desarrollar literariamente algunos sistemas filosóficos. “El jardín de
senderos que se bifurcan” (1941) introduce –como es habitual en el
autor- una inquietud metafísica. “Pensé en un laberinto de laberintos,
en un sinuoso laberinto creciente que abarcara el pasado y el porvenir y
que implicara de algún modo los astros.” Y expone la idea del tiempo cíclico
y circular, jamás lineal.
“La
tierra estaba seca como una piel áspera, seca hasta el extremo de las raíces,
ya como huesos; se sentía flotar sobre ella una fiebre de sed, un jadeo,
que torturaba a los hombres”, comenta el venezolano Arturo Uslar Pietri
en “Lluvia” (1935), en un estilo áspero y descarnado que se aleja del
regionalismo al asimilar la
aridez de la zona al estado anímico de un matrimonio que languidece.
En
1936, el argentino Eduardo Mallea sacude con un cuento que se puede tildar
de existencialista: “Conversación”. Con técnica depurada, presenta a
una pareja que en su diálogo refleja el desaliento y el cansancio de no
esperar ninguna sorpresa importante en su relación ni tampoco de la vida.
Leyendo un diario de la tarde que trae noticias sobre una guerra inminente
él dice: “Nadie se entiende. Tampoco se entiende nada” (...)
“Ninguna cantidad de odio saciará el odio del hombre por el hombre”,
y ella se pregunta: “Si uno pudiera dar a su vida un fin”.
En
1939 la chilena María Luisa Bombal presenta “El árbol”, cuya honda
emoción refleja un espíritu femenino que no tolera la medianía de su
entorno porque le impide verter sus sentimientos
y la lleva a confesar con amargura: “Puede que la verdadera
felicidad esté en la convicción de que se ha perdido irremediablemente
la felicidad”. El cuento –de exquisita musicalidad- prorrumpe en una
cascada de imágenes que comparan la crisis de la protagonista con la de
un árbol que da a la ventana de su cuarto y que finalmente es derribado
de un hachazo.
Juan
Carlos Onetti, de Uruguay, es uno de los más importantes escritores
latinoamericanos, cuya obra puede considerarse una pesadilla de sexo,
depresión, desvarío y condena metafísica, cincelada por un oficio
deslumbrante y la influencia indudable del maestro William Faulkner. “Un
sueño realizado” (1941) menciona constantemente la vejez y la muerte,
que acechan sin pausa. Y en una actitud amarga y pesimista alude a un
personaje citando su “juventud impura que estaba a punto de deshacerse
podrida”. La escritura magnífica anuncia que algo terrible está por
suceder y hace referencia constante al fracaso.
El
cubano Lino Novás Calvo (que nació en Galicia) es conocido por su novela
El negrero (1933). El cuento “La noche de Ramón Yendía”
(escrito en 1933 y publicado en 1942) propone, a través de una prosa
nerviosa y un ritmo cinematográfico colmado de suspenso, narrar el acoso
que sufre el protagonista, un fugitivo acorralado en medio de caóticas
luchas políticas, y que no cesa de bucear en su desasosiego: “sabía
que en alguna parte y a alguna hora, ojos que acaso no hubiese visto lo
buscaban”.
“El
pavo navideño” (1947), del brasileño Mario de Andrade, refleja a la
vez el conflicto generacional entre un padre muerto y su hijo y las
transformaciones de costumbres que estaban sacudiendo la sociedad de su país
después de la Segunda Guerra Mundial. María Antonieta Pereira opina
sobre este relato que “Tensionada entre luto, alegría, llanto y placer,
la familia acepta el combate entre la vida y la muerte, en el que devorar
el pavo funciona como un canibalismo metafórico...”
“Mi
primer concierto” (1947), del uruguayo Felisberto Hernández, propone
con un humorismo personal, de tintes surreales y absurdos, cómo un
dubitativo y tímido músico se prepara, en un teatro, para tocar “un
piano viejo, negro”, y al mismo tiempo ironiza sobre la mediocre
sociedad de la época.
En
“El centavo” (1948), el gran poeta dominicano Manuel del Cabral
presenta un cuento breve con una moraleja: la condena del usurero Sequía,
cuyo nombre denuncia su sed insaciable de dinero y, además, la aridez de
su alma. De paso, subraya el mercantilismo que domina la sociedad
contemporánea.
Adolfo
Bioy Casares, esposo de Silvina Ocampo y compañero de Borges en numerosas
aventuras literarias, pergeña con concisión y ritmo trepidante un cuento
fantástico de final abierto, “Las vísperas de Fausto” (1949),
impregnado de alusiones literarias que indican que la tan anhelada
inmortalidad es una suerte de infierno.
Confabulario
(1952) contiene “El guardagujas”, del mexicano Juan José Arreola,
portador de una veta de humor absurdo que sugiere una locura planetaria
basada en el transporte ferroviario. Este cuento de tintes fantásticos
puede entenderse como una palpable alusión a la desquiciada sociedad de
su país.
Un
lenguaje sobrio, como distante, transmite los últimos momentos de la vida
de Juvencio Nava en “¡Diles que no me disparen!”, que forma parte del
clásico El llano en llamas (1953), de Juan Rulfo, un escritor
atormentado por la idea de la muerte -o de los muertos- y de la desolación
de las tierras yermas. El relato es de un realismo desgarrador y su espíritu,
que describe el soplar del viento sobre campos áridos, logra despegarse
del regionalismo por su óptica moderna que transfigura al protagonista en
un hombre universal.
Carlos
Fuentes (México) siempre ha afirmado que la visión de su país es a la
vez internacional. Uno de sus tantos rasgos notables es su manejo
fascinante de la forma del cuento. En “El que inventó la pólvora”
(1954) pronostica un futuro apocalíptico derivado del consumismo y de la
obsolescencia planificada –efecto y causa de aquél-, dos principios que
rigen esta economía de mercado que asegura que aportará bienestar y
felicidad. El lema que provocará la destrucción del planeta es: “Usen,
usen, consuman, consuman, ¡todo, todo!”.
“Cartas
de mamá” (1959), de Julio Cortázar, argentino (nacido en Bélgica), es
indudablemente una joya literaria. En ella el autor realiza una escritura
impecable, pletórica de creativas imágenes trabajadas al máximo, y
busca una literatura excepcional, es decir fuera de la normalidad. Una
expresión de Luis da sentido al tono melancólico del cuento: “Si se
pudiera romper y tirar el pasado como el borrador de una carta o de un
libro. Pero ahí queda siempre, manchando la copia en limpio, y yo creo
que eso es el verdadero futuro”. Su construcción perfecta
paulatinamente va urdiendo el costado oculto de la historia. Sucede en París,
pero el matrimonio de Luis y Laura evocan con nostalgia Buenos Aires,
especialmente el barrio de Flores. No puede dejarse de mencionar el
estupendo filme La cifra impar (1962), de Manuel Antín, basado en
este cuento.
Con
su primer libro, Los jefes (1959), el peruano Mario Vargas Llosa
ganó el premio Leopoldo Alas. De él forma parte “El abuelo”, de gran
sencillez pero prolija ejecución, en el que se relata cómo un anciano
rebelde marginado por su familia comete una travesura macabra, que da
lugar a la presencia de la muerte. Son característicos en Vargas Llosa su
poder de observación, su profesionalismo y su talento para forjar
estructuras literarias.
Silvina
Ocampo, una de las mejores cuentistas argentinas, en “El vástago” (1959), un cuento de rara perfección,
se exhiben las sórdidas relaciones familiares alimentadas por el odio,
que, inevitablemente, llevan al incesto y al crimen.
La
escritora brasileña (nacida en Ucrania) Clarise Lispector propone una
narrativa de sugerencias, tonalidades y experimentos lingüísticos para
indagar en la subjetividad femenina y en los atolladeros psicológicos del
individuo contemporáneo. En “Amor” (1960) es rotundamente
introspectiva y con una prosa bella y armoniosa se sumerge en ese mar
incomprensible, a tramos aterrador, del alma humana.
El
cultivo del cuerpo como objeto de goce aparece en “La fuerza humana”
(1965), del brasileño Rubem Fonseca, ya sea a través de relaciones
sexuales frenéticas o de las intensas prácticas gimnásticas. Además,
refleja la soledad de los habitantes de las grandes urbes y capta el mundo
de los desclasados: el protagonista trabaja en un gimnasio y su novia en
una casa de citas.
Andrés
Rivera (Argentina) en “La suerte de un hombre viejo” (1965) expone
–con una escritura desapasionada y objetiva- una suerte de tregua
inesperada en la vida de un hombre de negocios acosado por una desamparada
soledad. De improviso, una mujer que trabaja en un local nocturno,
consigue que alcance unos momentos de felicidad.
“Esa
mujer” (1965), del desaparecido escritor Rodoldo Walsh, está
considerado como una de las cuentos cumbres de la literatura argentina del
siglo XX, y tan importante como “El matadero”, de Echeverría.
Centrado en el caso del cadáver de Eva Perón, Walsh articula un relato
que abreva en la historia, en la técnica periodística y en el género
policial.
En
“Los indios” (1968), del argentino Héctor Tizón, un adolescente de
catorce años lee con ahínco Cartas
de la conquista y al mismo tiempo contempla a unos chicos que juegan a
los indios y caras pálidas, hasta que la diversión se transforma en una
cruenta batalla con disparos de artillería. Queda en la ambigüedad si lo
acontecido fue una pesadilla del muchacho o si misteriosamente se trastocó
la realidad.
El
realismo mágico
El
concepto de realismo mágico lo dio el crítico de arte alemán Franz Roh
en 1925, cuando presentaba una nueva corriente pictórica que reaccionaba
contra el expresionismo y proponía “reconstruir el objeto partiendo
exclusivamente de nuestra interioridad” y agregaba que “La humanidad
parece indefectiblemente destinada a oscilar de continuo entre la devoción
al mundo de la realidad y a un mundo imaginado, y en verdad que, si alguna
vez se detiene este ritmo respiratorio de la historia, no parece quedar
otra cosa que la muerte del espíritu”.
Respecto
al realismo mágico en su vertiente latinoamericana, se lo puede intentar
describir como el relato de un hecho inexplicable que asoma dentro de la
cotidianeidad y que no causa mayor sorpresa en los personajes, pero sí en
el lector. Asimismo, el tiempo transcurre cíclicamente y
no en forma lineal. Hay en sus narraciones un ámbito como de
inasible sortilegio. Según Anderson Imbert, “La estrategia del escritor
consiste en sugerir un clima sobrenatural sin apartarse de la
naturaleza”. Y para Luis Harss: “En Latinoamérica todo es
desmesurado: montañas y cascadas gigantescas, llanuras infinitas, selvas
impenetrables. La anarquía urbana echa tentáculos tierra adentro, donde
soplan los vendavales. Lo antiguo se codea con lo moderno, lo arcaico con
lo futurístico, lo tecnológico con lo feudal, lo prehistórico con lo utópico”.
Entre sus mayores exponentes figuran Miguel Ángel Asturias, Gabriel García
Márquez, Alejo Carpentier, Arturo Uslar Pietri y Juan Rulfo, pero
corresponde incluir entre ellos a João Guimarães Rosa. No hay que
confundir el realismo mágico con lo maravilloso, pues según Todorov este
género requiere “admitir nuevas leyes de la naturaleza mediante las
cuales el fenómeno pueda ser explicado”, y tampoco con la noción
propuesta por Carpentier de “real maravilloso”, dado que éste se
enlaza con los mitos indígenas de Latinoamérica.
En
“Leyenda del sombrerón” (1930), el premio Nóbel guatemalteco Miguel
Ángel Asturias ofrece un poético aluvión de imágenes para describir un
juego de pelota, que según el autor “simboliza a veces las luchas, las
victorias y las derrotas de la vida terrestre, celeste, astronómica,
subterrestre”. El cuento respira calidez y alegría y registra un
paisaje exuberante y vital. Este cuento forma parte de las Leyendas de
Guatemala, fruto de los estudios sobre la cultura maya realizados por
Asturias en París.
“El
prisionero” (1953) plantea acontecimientos
que fluctúan entre lo cíclico y lo eterno porque con un estilo medido y
a la vez brillante presenta temas caros al paraguayo Augusto Roa Bastos:
la lucha política y la guerra en la selva, que recorren toda la historia
de su país como si se repitieran desde el principio de los tiempos.
Una
prosa llana y límpida que discurre como agua de manantial es la que
utiliza el Premio Nóbel colombiano García Márquez para su cuento “La
prodigiosa tarde de Baltazar” (1962), que capta un ámbito diáfano en
torno a la jaula que fabrica el protagonista: una atmósfera de
encantamiento permite que el cuento se abra a múltiples interpretaciones.
Es como si el pueblo de Macondo y el paisaje que lo circunda tuvieran una
inasible vida interior.
En
“La tercera orilla del río” (1962), de Guimarães Rosa, uno de los
grandes de la literatura brasileña junto a Euclides da Cunha y Clarice
Lispector, el narrador comenta que “Nuestro padre no volvió. No iba a
ninguna parte”, y refleja, así, que la problemática metafísica carece
de respuestas: es la tercera orilla del río a la que jamás se arriba.
“Para llegar allí sólo se necesita rasgar el velo, o dar el traspié”,
afirma Luis Harss. Se desliza la incertidumbre de si el padre, que
permanece en una canoa en medio del río, podría haberse convertido en un
fantasma después de morir, y el hijo haber ocupado su lugar como una
alegoría del eterno retorno.
Para
Ricardo Piglia, Juan José Saer no sólo es el más grande escritor
argentino actual, sino uno de los mejores en cualquier lengua. En
“Sombras sobre un vidrio esmerilado” (1966), registra el fluir de
conciencia de una mujer que, hamacándose en un living, observa con
detenimiento a su alrededor –entre otras cosas la sombra de la silueta
de su cuñado duchándose en el baño- y recuerda con ritmo moroso y
pausado sucesos del pasado que la marcaron para siempre. En ese tiempo
detenido respira su hastío y su tormento: “Odiamos la vida porque no
pude vivirse. Y queremos vivir porque sabemos que vamos a morir”,
medita.
En
“Los advertidos” (1967), del cubano Alejo Carpentier, un lenguaje
exultante y barroco, tributario del indigenismo, narra la historia del
diluvio universal en un contexto circular que descansa en mitos y
leyendas. Para Gregory Zambrano “interactúan bajo el mismo rol
actancial de ser ´salvadores de la humanidad´, figuras como Noe, El
hombre de Sin, Deucalión, Out-Napishtim y Amalivaca”. No obstante, en
el relato de Carpentier hay una cosmovisión sombría sobre el destino de
la humanidad, pues “en eso, una oscura historia de rapto de hembra,
dividió a la multitud en dos bandos, y fue la guerra. Amaliwak regresó rápidamente
a la Enorme-Canoa, viendo cómo los hombres, recién salvados, se mataban
unos a otros”.
Se
debe aclarar que la célebre década del “Boom” (1960-1970) fue
marcada por la novela. Entre ellas se destacan Hijo de Hombre (1960),
de Roa Bastos, Rayuela (1963), de Cortázar, La casa verde
(1967), de Mario Vargas Llosa y Cien años de soledad (1967), de
García Márquez. Sólo esta última puede enrolarse dentro del realismo mágico,
del que es sin duda su máxima expresión. Más tarde, en 1975, Carlos
Fuentes publica Terra Nostra, otra cumbre de la novelística
latinoamericana.
Desde
1970
Graciela
Tomassini y Stella Maris Colombo apuntan que: “A partir de los 70, los
grandes relatos apoyados en el mito, las ideologías, la promesa o amenaza
del avance tecnológico, ceden paso a los pequeños relatos de la
cotidianeidad, la exploración de los repliegues íntimos de la existencia
individual o grupal, el costado privado o menos conocido de la Historia y
sus personajes”.
“Tarde
en la noche” (1970), del brasileño Luiz Vilela, retrata con oficio y
pericia técnica a un hombre harto de su matrimonio que espera un milagro
para liberarse. En una casual conversación
telefónica mantenida a las dos de la mañana entre él
y una joven que no conoce se refleja la melancolía y soledad de
los habitantes de las metrópolis. Y la joven que está al borde de
suicidarse rememora la frase que Vincent Van Gogh dijo a su hermano Theo:
“La tristeza jamás me abandonaría”.
Según
Claudia Morero y Mariela Grosso, Virgilio Piñera (Cuba) presenta “una
visión extrañada del mundo que permite develar el carácter ilógico de
las leyes humanas”, característica que se muestra en la brevedad del
cuento “La boda” (1970), en el cual –a la manera del objetivismo-
registra ese estar ahí de las cosas al describir las ondulaciones del
vestido y los movimientos del cuerpo de la novia.
Un
lugar especial por su originalidad y su sentido lúdico lo representa el
guatemalteco Augusto Monterroso con sus minicuentos, esa narrativa que se
nutre de la poesía y asombra con sus epifanías. Para Graciela Bucci
“Con agudeza acude en sus textos a la ironía, la cual es en su obra no
un recurso del lenguaje sino una astuta forma de intertexto que surge en
el proceso de la asimilación lectora”. Un ejemplo es “El paraíso
imperfecto” (1969), que afirma lo siguiente: “-Es cierto –dijo mecánicamente
el hombre, sin quitar la vista de las llamas que ardían en la chimenea
aquella noche de invierno-; en el Paraíso hay amigos, música, algunos
libros; lo único malo de irse al Cielo es que allí el cielo no se ve”.
“Muerte
de un rebelde” pertenece a Rajatabla (1970), de Luis Britto García,
de Venezuela, libro con el cual obtuvo la fama y el Premio Casa de las Américas.
Es un cuento que relata con distanciamiento cómo un combatiente enfermo
muere en la casa de un compañero, que no sabe quién era ni qué tareas
realizaba. Nadie comunica ese fallecimiento, ni la guerrilla ni las
fuentes del gobierno. Así, señala cómo estas guerras internas ocasionan
la clausura obligada de los sentimientos.
En
1972, el argentino Daniel Moyano publica “La fábrica”, en la que
imperan una atmósfera enrarecida y una sensación de irrealidad:
pareciera que todo fue un sueño, que la fábrica sólo existió en la
fantasía de los habitantes insatisfechos de un lejano pueblo de
provincia.
El
brasileño Murilo Rubião imprime un clima opresivo en “El bloqueo”
(1974), cuento de sentido abierto que oscila entre el absurdo y lo fantástico
y evoca “Casa tomada”, de Cortázar. Para María Antonia Pereira “es
una buena imagen del ciudadano brasileño perseguido en los años del
autoritarismo”.
La
argentina Luisa Valenzuela ensaya en tono chispeante un cuento entre
absurdo y onírico en “Aquí pasan cosas raras” (1975), en el que
demuestra dominar la prosa a su antojo. El lector queda perplejo porque
duda si todo lo acontecido no fue otra cosa que un sueño de Mario, uno de
los protagonistas. El terror de la represión policial como parte de la
vida cotidiana bajo un régimen militar está continuamente recalcado.
Con
un lenguaje soberbio, Abelardo Castillo, de Argentina, cincela un cuento
circular de raíz borgiana, “Las panteras y el templo” (1976), aunque
con indudable voz propia al exponer una rara circunstancia acerca de un
escritor que urde un relato sobre alguien que está a punto de asesinar a
su esposa con un hacha y, a la vez, repite ese hecho como un sonámbulo
con su mujer al lado.
Un
mismo protagonista desfila en los cuentos de Trafalgar (1979), de
Angélica Gorodischer: se trata de Trafalgar Medrano, que se reúne con la
autora en el bar Burgundy, de la ciudad argentina Rosario, para contarle a
ella –mientras toma litros
de café y fuma cigarrillos negros sin filtro- los viajes que realiza a
bordo de su cacharro a Veroboar, Seskundrea, Karperp, Belanius III y demás
mundos de extrañas y lejanas galaxias, con el fin de concretar insólitos
negocios. Es un tipo de ciencia ficción a la latinoamericana, en los
cuales no hay supertecnologías, sino simples charlas repletas de humor.
1980
es el año de “Algo urgentemente”, de João Gilberto Noll, que alude
con trazo duro y descarnado a una realidad despiadada: la de los
marginados sociales brasileños.
María
Amélia Mello (brasileña) en “Flor de desierto” (1984) desarrolla una
relación sadomasoquista que nace entre una mujer adulta y un jovencito
mientras éste la asalta. Pese al lenguaje desinhibido y crudo que
utiliza, la autora forja bellas e inesperadas imágenes. Él es un
delincuente menor, un perdedor, y ella una burguesa descontenta. María
Antonieta Pereira opina que este tipo de narrativa aborda “la
desintegración de la vida urbana”.
“Un
discurso sobre el método” (1989), de Sérgio Sant´Anna, de Brasil,
expone un desgarramiento social patético, en el cual todos los valores
tambalean. El limpiador de vidrios que protagoniza el cuento está
acuciado por un desasosiego que lo induce a pensar en el suicidio como
camino para “no sufrir”. El autor lo describe de esta manera: “Él
era un hombre que vivía en las inmediaciones del presente, ya que el
pasado no le traía ningún recuerdo agradable en especial, y el futuro
era mejor no preverlo, de tan previsible”.
“La
pregunta” (1998), del panameño Justo Arroyo, es un breve cuento que
refiere la voluntad de un viejo que se impone a los parroquianos de un
restaurante en un final impactante. Logra su tensión mediante un estilo
suelto y fluido, de frases cortas.
Guillermo
Cabrera Infante (Cuba) ganó el Premio Cervantes en 1997 y, aunque es muy
conocido por sus novelas y ensayos, también dio en 1999 su Todo está con espejos, que el subtituló Cuentos casi completos, en los que vuelve a deleitar con sus juegos
de palabras y giros idiomáticos, que sugieren el swing del jazz.
En
estos años se puso de moda la novela histórica, y tuvo su repercusión
en el cuento. “El conde de Ovando” (2000), del puertorriqueño José López
Nieves, titular de la famosa página ciudadseva.com, compone una obra
cercana a una nouvelle, en la que flota un aura de misterio. El
autor registra el horror de la tortura y las arbitrariedades del poder,
tanto por parte de la Iglesia como de las autoridades civiles. En ambos
bandos confrontados reina el oscurantismo y la ignorancia. El relato se
desarrolla en Puerto Rico y en la segunda mitad del siglo XVI.
“Borrón”
(2002), de Silviano Santiago, proclama una impactante definición (“Un
buen cuento es un campo minado”) para rememorar en tono melancólico un
hecho traumático olvidado que fue protagonizado por un brasileño en los
EE.UU., y establece un paralelo entre ambos países respecto a los
padecimientos sufridos por el flagelo de la esclavitud.
“La
soledad de Fidel Castro” (2004), de Andrés Sant´Anna (Brasil), marca
las vacilaciones ideológicas y la confusión que sufre un individuo
nacido en 1964 que presenció la dictadura militar brasileña, la caída
del muro de Berlín, la descomposición de la URSS, la trayectoria del
“Che” Guevara y los discursos de Fidel Castro. La decepción se
apodera de este personaje que carece de conciencia política y sólo
absorbe datos de los diarios y de la TV.
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