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En
este rastreo de sensibilidades, que no es tarea inédita en la actriz
(como lo demostró en Vivir en vos, espectáculo sobre canciones de María
Elena Walsh), la muerte ocupa un lugar central. Esta domina la ambientación
compuesta de telas rojas que contrastan con el blanco de los trajes de los
intérpretes. No falta sin embargo el pañuelo encarnado, que la actriz
coloca a la izquierda de su pecho, en clara alusión a una herida abierta.
Un gesto que se le vio también en su protagónico de Mariana Pineda,
cuando la dirigió el fallecido Jaime Kogan. La muerte es además fuente
de inspiración de un tema de Alvarez: ¡Ay, qué día tan triste en
Granada!
Se
ha dicho que el trágico final del poeta nacido en Fuentevaqueros acrecentó
su celebridad. Sin embargo, Lorca era ya famoso fuera de su país antes de
ser ejecutado. En su pueblo natal se le rindió un homenaje en 1929, pero
es cierto que despertaba sentimientos ambivalentes. El 16 de agosto de
1936, tras el levantamiento del 17 de julio del general Francisco Franco,
se lo llevaron de la casa de la familia Rosales rumbo al edificio del
Gobierno Civil de Granada. Un piquete de guardias de Falange Española lo
fusiló el 19 de agosto en el paraje de Viznar. El recuerdo de esa muerte
acosa en este espectáculo que Lago tiñe de rojo, pero subrayando la
existencia de otro universo lorquiano, placentero y musical.
La
utilización de un afiligranado dibujo de Lorca como telón de fondo (un
ángel, reproducido aquí por la artista plástica Patricia Blanco) es
parte de ese rescate. No lo es en cambio la “luna muerta” que cuelga
desde lo alto, señal de que persiste la “pena negra”.
Lago
resuelve con oficio la traslación escénica de los textos: preserva la
esencia del lenguaje poético, de la palabra y sus misterios. Dentro de
ese microcosmos pesan las ausencias, la muerte. Por eso no se entiende la
sonrisa de la actriz en las secuencias más sombrías. Se puede pensar que
la exaltación y el deseo de rescatar la alegría supuestamente visceral
del poeta se anteponen a la palabra, y entonces ese gesto se parece al de
quien cree hallarse ante las puertas de algún paraíso. Fuera de esta
observación, el trabajo de la actriz es impecable. Lago demuestra conocer
profundamente la obra de Lorca y se automoldea en cada secuencia. Pasa de
uno a otro texto con admirable ductilidad. Intercala poesías y
testimonios (el de un enterrador, por ejemplo), canciones y apuntes teóricos
del mismo poeta y de otros autores. La emoción se traduce a veces en
canto chispeante, como en la interpretación de Los pelegrinitos, esos
primos adolescentes enamorados que van a Roma para que los case el Papa.
La actriz se apropia del desborde imaginativo del poeta, e incluye
canciones populares españolas recopiladas por Lorca, y las opiniones de
éste sobre esas expresiones, tan semejantes a las del célebre Manuel de
Falla, quien sostuvo que era necesario ir muy al fondo para no
caricaturizarlas.
En
tanto experiencia teatral, El ángel logra de modo sintético dar cuenta
de la variedad de facetas de un artista que conmovió con sus metáforas y
su rebeldía creadora, con ese bizarro tono mítico que imprimió a los
temas del amor y de la muerte, y con sus fábulas y bromas, características
de los artistas trashumantes, como lo fue él mismo con su Teatro La
Barraca, cuando entre 1932 y 1935 llevaba entremeses y obras breves por
toda España. |
